Cassi Namoda está cambiando lo que significa ser pintor

Cassie Namoda.
Foto: Alina Asmus

“Algunos dirían que tener 20 años es un poco tarde en estos días para comenzar una carrera como pintor, lo cual es extraño y desafortunado”, dice el artista nacido en Mozambique Cassi Namoda, de 33 años. Después de estudiar cinematografía en la Academia de la Universidad de Arte en San Francisco y trabajando para la diseñadora de moda Maryam Nassir Zadeh buscando piezas artesanales en el extranjero para que la tienda las vendiera, Namoda se dedicó a la pintura desde un lugar muy personal. Vivía en Los Ángeles y añoraba su hogar. “Hay un término en portugués, saudade, ese es un anhelo que no puede ser reemplazado”, dice ella. Artista autodidacta, comenzó mostrando pinturas en la sala de estar de un amigo, luego en la librería de otro amigo, construyendo una carrera a través del boca a boca. Ahora está representada por Goodman Gallery y François Ghebaly.

Más recientemente, Namoda ha estado pintando en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, para una muestra allí este verano. “Yo eligiendo estar físicamente aquí es decir que quiero relacionarme con la gente”, dice ella. “No quiero simplemente enviar pinturas y decir: ‘Está bien, véndelas’”. Más adelante este año, pasará un tiempo en la Ciudad de Guatemala trabajando en una muestra que involucra cerámica, dibujo, performance y videoarte. en planta libre para la galería experimental Proyectos Ultravioleta. Su modo de viajar y pintar desde nuevos lugares es intencional, una forma de ralentizar las cosas en una industria que, de otro modo, puede volverse “realmente comercial, muy rápido”.

Namoda habló con The Cut sobre su viaje artístico, sus inspiraciones y por qué la luz en East Hampton, donde tiene su sede, es diferente a la de cualquier otro lugar.

¿Qué en sus primeros años de vida lo puso en el camino para ser pintor?

Era el tiempo que pasaba observando la naturaleza en Kenia, donde vivía cuando tenía unos 6 años. Estaba tan enamorada de estos animales que deseaba tanto tener fotos de ellos en mi habitación. Los dibujaba obsesivamente cada vez que regresábamos del safari, y eso se me quedó grabado. Estuve dibujando constantemente hasta la escuela secundaria.

Cuando tenía 25 años, me mudé a Los Ángeles y la posición geográfica de Los Ángeles me resultó muy alienante. Así que la pintura se convirtió en esta forma en la que decidí comenzar a negociar mi nostalgia. Me sorprendió porque tengo una tendencia natural a ser escritor. Pintar había sido algo que siempre había hecho mientras crecía, pero la escuela interrumpió ese camino para mí, así que encontré otras formas de expresión.

Acabo de empezar a dibujar de nuevo. Se siente muy vulnerable; es como escribirme. Mi próxima muestra, llamada “Depresión tropical” en Xavier Hufkens en Bruselas, es esencialmente dibujos grandes con una cantidad mínima de pintura.

Dijiste que empezaste a pintar porque sentías nostalgia. Como alguien nacido en Mozambique que vivió en Indonesia, Kenia, Benin y Haití, ¿qué ha llegado a significar para usted “hogar”?

Llamo hogar a Mozambique, aunque no es mi hogar. Es mi interior ancestral. Mi madre está allí, mi familia está allí, mis abuelos están en la tierra allí. Mientras crecíamos, nos mudábamos con bastante frecuencia. Mi padre tenía notas diferentes sobre vivir y experimentar y que uno debe ver el mundo. Eso también beneficia mi práctica. Si miro el trabajo de Emil Nolde, o incluso Gauguin o van Gogh, estos pintores viajarían y existirían en estos lugares. De alguna manera, también hubo una exotización de estos paraísos, estas tierras extranjeras. Pero no estoy exotificando; Estoy existiendo en un cuerpo negro. He vivido en muchos lugares. Entiendo el mundo de una manera que va más allá de un libro de texto pero más sobre los matices. Así que siento que puedo estar en cualquier lugar —Budapest, Tánger o Kioto— y me siento muy emocionado por algún tipo de familiaridad en la sensación de una nueva experiencia. Necesitamos novedad en nuestra experiencia humana. Pero luego necesito retirarme y sentarme con todo. Supongo que East Hampton es ese lugar para mí en este momento.

¿Qué te emociona de ser pintor?

Es casi como si siempre estuvieras negociando contigo mismo. Tienes que sentarte contigo mismo al final del día y preguntar, ¿Soy realmente yo? Cuando eso puede ser respondido, entonces sé que he hecho algo honesto, auténtico. Al final del día, si no estoy pintando, me siento incompleto de alguna manera.

Foto: Alina Asmus

Cuando comenzaste a pintar en Los Ángeles, ¿cómo te apoyaste con tu arte?

Cuando comencé, me sorprendió mucho que todos mis amigos quisieran las pinturas. Fue una cosa increíble. En realidad, todo lo que tenía que hacer era vender uno o dos cuadros al mes, y eso ayudaría. Además, tenga en cuenta que mi trabajo en papel se vendía entre $ 500 y $ 1,000; mis acuarelas y papel no costaron ni una fracción de eso. Mis materiales no eran realmente el problema y no necesitaba un estudio. No fue hasta mucho más tarde, cuando estaba pintando sobre lienzo y tenía gente más curiosa, que estaba como, Está bien, supongo que tengo que tener visitas al estudio, no en el garaje de mi ex.. Y tengo un pequeño estudio.

Ahora, la pintura sustenta mi estilo de vida, pero al mismo tiempo, no quiero producir en exceso. Es una forma comercial puramente logística de abordar el trabajo. No se puede inundar el mercado. Tiene que haber una especie de preciosidad en la pintura. También es muy físico. No tengo un asistente, así que hacer proyectos colaborativos con marcas como J.Crew ayuda. Ya sea el perfume que hice con Linda Sivrican o mi colección con J.Crew, aunque el proyecto del perfume se basó puramente en la caridad, tengo curiosidad por crear matices dentro de la colaboración que aún puedan tener el espíritu del arte.

Recientemente trabajaste en un textil para Marimekko y lanzaste una colaboración de joyería con Catbird el verano pasado. ¿Cómo relacionas tus intereses en otras áreas con tu pintura?

Necesito que mi cerebro funcione de diferentes maneras. Todo informa algo más. Ahora estoy estudiando ballet, así que eso me informa sobre mi práctica, sobre mí como persona. Hace que tus pies sean tan fuertes que ahora no puedo pintar con los zapatos puestos. mis pies son como, No, tengo esto. tengo el suelo. Una vez que vuelvo al estudio, renovado, habiendo aprendido algo nuevo, mi mente funciona de manera diferente.

¿Cómo influye en tu arte vivir y trabajar en Nueva York o tener esa base de operaciones en East Hampton?

Me labré una situación bastante agradable para mí allí. Me gusta la historia de los artistas que me han precedido. de Jackson Pollock El estudio está a menos de cinco minutos del mío. Solo saber que existe allí, como un pilar, es realmente genial. Pensando en Helen Frankenthaler, hay algo en ella que casi me da más energía.

Los colores también me informan. Hay algo realmente especial en la luz allí. Se siente como si un pedazo de tierra acabara de convertirse en un suave amanecer matutino, y se queda así. Y mi relación con la puesta de sol ha sido muy importante para mí. Detener mi práctica de estudio, correr hacia el océano para ver la puesta de sol y volver a trabajar: es casi como si el tiempo se moviera de una manera muy circular para mí allí, lo que siento que es muy ancestral. Es un buen lugar para retirarse. No tengo muchas distracciones allí. Y cuando necesito ir a la ciudad y comer en Balthazar a las ocho de la mañana y luego saltar y ver un par de espectáculos, ver a un par de amigos, eso también tiene su lugar. Siempre necesitamos recargar energías y ver a otras personas.

Como mencionaste, tu trabajo hace uso del color. ¿Cuál es tu enfoque de los tonos vibrantes que usas?

Eventualmente quiero hacer mis propios pigmentos. Creo que aquí es donde va. Cuando se trata de pintar, por lo general, lo que haré es mirar bocetos, a veces durante un mes, antes de decidir qué colores incorporar en el trabajo. Luego empiezo a vivir y respirar esos colores y se manifiestan de muchas maneras diferentes.

Cuando hice la exhibición de Mendes Wood en São Paulo, era este fucsia realmente brillante con este negro opaco y este azul claro. Ese fue un espectáculo muy ajustado. Estaba trabajando en la lente del luto y el duelo porque era un momento muy duro en Brasil y en el mundo con COVID. El fucsia es un símbolo de la compasión.

También pienso en el color en el ámbito de la espiritualidad. Cualquier filosofía o teología religiosa tiene colores que la encarnan. En el hinduismo, la caléndula es realmente fuerte. La iglesia católica también tiene sus colores específicos. Creo que el color es probablemente un enfoque religioso de la pintura.

¿Sientes que tu presencia en el mundo del arte y tu crecimiento cumplen algún tipo de deber social?

Cien por ciento. Eso es exactamente lo que sucede con cualquier tipo de marco de trabajo una vez que se otorga un cierto estatus. Me gusta poder conectar y mostrar a la gente. En 2018, cuando presenté mi primer espectáculo, en Nina Johnson en Miami, invité al cartero local y a la mujer que me trenzó el cabello, y simplemente vinieron y vieron, y estaban tan sorprendidos por la escala.

Incluso ayer, una chica del café de al lado dijo: “¿Qué estás haciendo? Siempre estás cubierto de pintura. Dije: “Soy pintor”. Y ella dice: “¿Qué?” Ella es de Zimbabue. Y yo dije: “¿Por qué no vienes?” Llegó al final del día y me dijo: “Guau, ¿estás haciendo esto? No sabía que podíamos hacer esto. No sabía que las mujeres negras podían hacer esto”. Por eso hablo de accesibilidad. Porque estas ideas no se introducen a menudo en este continente. Si puedo estar aquí para conversar de una manera muy democrática con la gente, eso me hace sentir bien.

Esta entrevista ha sido editada y condensada por su extensión y claridad.

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