¡Pues encurtir mis nueces! El premio de artistas Vasseur Baltic 2022 – revisión | Arte

PAGickling no suele verse como una forma de arte. Pero dos de los tres artistas en el premio de artistas Vasseur Baltic han estado fermentando: Ima-Abasi Okon para explorar los beneficios probióticos de la fermentación y Fernando García-Dory para mostrar las habilidades de decapado de una empresa de interés de la comunidad local. La pila deshidratada y envasada al vacío de Okon de estofado de rabo de toro con gorro escocés, ashwagandha, melena de león y tulsi se apila en una silla de mimbre, mientras que los frascos de productos de The Pickle Palace se alinean en las estructuras de madera de la instalación de García-Dory.

Presumiblemente, el decapado no ha sido una prioridad en las agendas de los artistas porque visualmente no tiene mucho impacto. Ciertamente, la pila sentada de Okon es un bulto intrigante, jugoso y visceral de carne y tripas, pero los frascos de García-Dory recuerdan un paseo de fin de semana por Sainsbury’s. El premio de artistas Vasseur Baltic, un premio bienal de £ 25,000 (más £ 5,000 de tarifa de artista) que se ofrece a tres artistas emergentes, juzgados por otros tres artistas, está lleno de ideas. Ideas maravillosas y provocativas que cuestionan cómo se cruzan la cultura y la naturaleza, cómo la tierra puede unir a las comunidades, cómo se puede preservar la vida. Es interesante, pero no llama la atención.

Obra de Fernando García-Dory.
Obra de Fernando García-Dory. Fotografía: Rob Harris

Sin embargo, interesante sigue siendo una palabra importante cuando se mira arte. García-Dory hace un trabajo sobresaliente al presentarnos una granja de Lake District que ha investigado formas de diversificar y educar; una universidad náutica de artes interdisciplinarias que desafió los sitios urbanos habituales de producción artística; y los Freemen que están protegiendo Town Moor, una zona de vegetación en el centro de Newcastle upon Tyne.

En 2009, García-Dory fundó Inland, un colectivo dedicado a la producción agrícola, social y cultural donde la creación de exposiciones es tan importante como la elaboración del queso. Según, la presentación del artista es un museo de organizaciones que utilizan el hacer para interactuar con el mundo natural y construir comunidad. Los estantes contienen pastillas de jabón de una granja del norte de Inglaterra, pantallas de lámparas tejidas de un creativo local e ilustraciones botánicas del naturalista John Hancock. Al lado, fotografías de ovejas pastando en el centro de Madrid, un autobús que hace las veces de galería de arte y el teatro móvil de Federico García Lorca. A pesar de esto, todavía no puedo quitarme la sensación de estar en una tienda minimalista de moda.

En contraste, Okon tiene un espacio grande y vacío. Vacío excepto por los certificados de la artista en higiene alimentaria, manejo manual y conciencia de alergias alimentarias, la licencia musical para su pieza de sonido y el bajo estremecedor que emana de un altavoz Leslie en la habitación contigua. La documentación permite al artista servir el citado rabo de toro como alimento y reproducir una pista de audio jodida.

Atraídos por los ritmos acelerados, entramos en el segundo espacio de Okon, donde la silla giratoria de mimbre repleta de rabo de buey se enfrenta al altavoz fabricado con maderas nobles decorativas. Hay rastros de personas invisibles en todas partes: los certificados de trabajo en la primera habitación vacía, la silla como si alguien hubiera salido de repente, las tarjetas de título que se leen como transcripciones silenciosas. Okon había estado investigando métodos de cuidados paliativos y las figuras fantasmales me hacen pensar en mi propio capullo carnoso y sus capacidades de fermentación una vez que yo también desaparezca.

Obra de Ima-Abasi Okon, 2018.
Obra de Ima-Abasi Okon, 2018. Fotografía: © Ima-Abasi Okon. Cortesía del artista.

A veces, sin embargo, quiero que me atropelle una obra de arte, que me golpee la cabeza con tanta fuerza que mis ojos estén muy abiertos y mi cerebro esté en silencio, que es exactamente lo que sucede en presencia de la obra de Laleh Khorramian en el espacio final. Se levantan enormes franjas de tela, superpuestas en estampados y materiales y bailando con color. Cajas de luz estrechas perforadas con filtros vibrantes se deslizan a través de la pared y una impresión translúcida gigante crea una vidriera. Titulada Fontanelle, por el suave espacio en el cráneo de un bebé recién nacido, la gran impresión monotipia se coloca en lo que alguna vez fue una pared trasera y se quitó para revelar una ventana. Khorramian crea monotipos aplicando pintura al óleo sobre polipropileno o vidrio y transfiriéndola al papel. El efecto es orgánico y sorprendente, produciendo un caleidoscopio de formas desconocidas.

Durante la pandemia, Khorramian hizo miles de máscaras para los necesitados y los restos de la tela trepan por sus tapices como espinas. Y, con nombres como Glass Person, Jag Lady y Totem of a Deity, sus pancartas del piso al techo se transforman en personas veneradas en un salón de la fama futurista donde nuestros héroes reciclan y usan vestidos. Finalmente, aparece Khorramian y me ofrece un trozo de chocolate amargo. Quizás este era el mundo post-Covid con el que soñaba.

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