Reseña de ‘Un concierto para Ucrania’ de la Ópera Metropolitana

Concierto de la Ópera Metropolitana para Ucrania.

La Ópera Metropolitana Un concierto por Ucrania.
Foto: Evan Zimmerman/Met Opera

En un momento en que tantos hábitos irreflexivos (conectarse a Internet, viajar, incluso respirar) se han convertido en una fuente de amenazas, los viejos rituales son maravillosos. Puede pensar que es inútil que las orquestas sinfónicas intenten mantenerse al día de la forma en que lo hacen habitualmente, pero esta fue una semana en la que la costumbre y el compromiso se alinearon para producir algunos efectos especiales. Asistí a tres conciertos, todos de conjuntos constituidos en el siglo XIX dirigidos por hombres blancos de cuarenta y tantos años, tocando música de las décadas de 1820 (Beethoven), 1830 (Berlioz) y 1840 (Schumann). He escuchado esas piezas muchas veces antes en interpretaciones sutiles pero no radicalmente diferentes, en salas similares, acompañadas de rituales similares. Un viajero en el tiempo de hace un siglo podría haber entrado en cualquiera de esos eventos y suspirar satisfecho al reconocerlo. Y, sin embargo, cada actuación de alguna manera se sintió urgente, fresca y conmovedora.

Eso se debió en parte a la presencia en cada programa de una pieza reciente que alivió a las anteriores y porque, después de un largo año sabático inducido por COVID, la audición de una novela en vivo o novelchestra en una sala llena aún no ha desaparecido. Además, incluso las partituras más transitadas son nuevas para algunos; cada audiencia incluye oyentes que llegan a la Novena Sinfonía de Beethoven por primera vez y cuyo sentido de descubrimiento es contagioso. Sin embargo, la mayoría de las veces, lo antiguo puede sonar novedoso cuando los músicos se acercan a él como niños que abren regalos: aunque saben lo que viene, su entusiasmo arde a través de ellos.

La semana comenzó con el Metropolitan Opera’s Un concierto por Ucrania el 14 de marzo, se realizó bajo una enorme bandera azul y amarilla y se transmitió en vivo en todo el mundo como una forma de empatía colectiva. Podías sentir el dolor y el propósito que dieron forma a esos sonidos: el vibrato reverente de Samuel Barber. Adagio para cuerdasel silencioso anhelo de volver a casa del coro “Va Pensiero”, de Verdi’s Nabuco. La soprano Lise Davidsen cantó la obra de Brahms Cuatro últimas canciones Con una mezcla de ternura y poder que parecía abrazar la mortalidad pero desafiar las imágenes grotescas de la muerte provenientes de Ucrania. En una transición del luto a la exuberancia, el director musical del Met, Yannick Nézet-Séguin, dirigió una actuación chispeante y brillante del movimiento coral de la Novena de Beethoven. Me imaginé esos sonidos rugiendo en las radios en medio de una noche inquieta en Kiev, trayendo un trago de consuelo.

Minutos más tarde, salí corriendo del Met y me dirigí al Carnegie Hall a tiempo para escuchar a la Orquesta Sinfónica de Boston abrir su concierto con la siempre oportuna destilación de la incertidumbre de Charles Ives de 1908, La pregunta sin respuesta. Cuerdas distantes que se escuchaban débilmente a través de una puerta abierta, una trompeta silenciosa en el balcón y un grupo de instrumentos de viento en el vasto escenario convirtieron la sala en una gran cámara resonante, llena de susurros incipientes.

Atrapar esta función doble de facto significó pasar de la música conmovedora y sobria para tiempos de guerra a un gran drama planeado desde hace mucho tiempo, pero si los dos se sintieron continuos fue porque ambos parecían diseñados para acompañar vagabundeos nocturnos problemáticos. El nuevo concierto para violín del compositor coreano-alemán Unsuk Chin, subtitulado “Fragmentos de silencio” e interpretado con virtuosismo abrasador por Leonidas Kavakos, evocó destellos que estallaron en la oscuridad. La orquesta amplió el paisaje onírico del violín. Una nota solista floreció en una aurora boreal. Grandes acordes como troncos de árboles, enraizados por golpes de percusión, se convirtieron en estremecedoras filigranas de sonido. Me perdí en todo este misterio agitado, impaciente por ver el destino de la pieza, pero el resto de la audiencia evidentemente se dejó llevar: la obra de Chin fue recibida con ovaciones que hicieron que incluso sus pasajes más ruidosos parecieran amortiguados.

Es una práctica común seguir un concierto contemporáneo carnoso con una obra maestra sinfónica certificada, lo que permite a los oyentes salir de la sala fortificados con melodías familiares. Pero el director musical de la BSO, Andris Nelson, lideró la sinfonía fantástica en una actuación que invocó sus sudores nocturnos, terrores y bichos espeluznantes. Ese trabajo también está fragmentado y es casi psicótico, y la BSO lo interpretó como si todos esos bordes dentados nunca hubieran sido suavizados por pura repetición.

Gustavo Dudamel en la Filarmónica de Nueva York.
Foto: Chris Lee

Unos días después, el director Gustavo Dudamel regresó a la Filarmónica de Nueva York para la segunda parte de un estudio de dos semanas sobre las cuatro sinfonías de Schumann. (Esta vez escuchamos números 3 y 4, separados por el repiqueteo de Andreia Pinto Correia, descoyuntado Los pájaros de la noche – otra invocación más al insomnio.) La casa de la Filarmónica está en proceso de renovación y no reabrirá hasta octubre, por lo que la orquesta está navegando en el sofá este año, yendo y viniendo entre Rose Hall y Alice Tully Hall. También está buscando un líder. Este encuentro con Dudamel, cuyo contrato como director musical de la Filarmónica de Los Ángeles vence en 2026, se duplicó como un vistazo a una posible nueva era.

Dudamel es un confiable proveedor de emoción, y su versión de la Cuarta de Schumann tenía la cualidad de una secuencia de persecución de autos, una simulación coreografiada de peligro sin tiempo para exhalar. Incluso cuando no está pilotando la orquesta especialmente rápido, toca los violonchelos y convoca balidos brillantes de metales que le dan a cada momento un impulso vertiginoso. Si pierde algunas oportunidades para la delicadeza y el olfato de rosas en el camino, es una compensación que está dispuesto a hacer, y la orquesta parecía disfrutar del drama. Ese es el misterio de escuchar una sinfonía en vivo: la sorpresa siempre es una posibilidad.

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