Un siglo del estudio del artista es un vistazo a la mente del artista

LONDRES — ¿Te apetece visitar el estudio de un artista? Los franceses son buenos en este tipo de cosas. Pruebe la orilla izquierda de París. Allí, puedes codearte con los fantasmas animados de Brancusi, Zadkine y Delacroix. Todos sus estudios están a poca distancia unos de otros. Sin embargo, hay un problema que todos estos espacios comparten: todos son los estudios de artistas muertos hace mucho tiempo, y podrían describirse como espacios reconstituidos. Están en silencio, por ejemplo. Todo lo que pudo haber sucedido ya sucedió. Estamos viendo (a menudo detrás de un vidrio) los frutos de su trabajo y quizás las herramientas con las que trabajaron, e incluso las sillas en las que se derrumbaron, con suspiros de placentero agotamiento, al final del día. Son espacios regularizados y curados: ordenados, inodoros y un poco insensibles también. Esta cuestión de sentir es muy importante porque el estudio de cualquier artista vivo no es un telón de fondo inerte, y animarse a experimentarlo como tal es una tergiversación de lo que realmente significa la idea del estudio.

Lo que nos lleva a un nuevo espectáculo en la Galería Whitechapel en el East End de Londres, amenazado por la prosperidad estridente de la City, el distrito financiero. Un siglo de estudio del artista es muchas cosas en una: una visión general de lo que ha significado la idea del estudio para una multiplicidad de artistas entre 1920 y 2020; un examen de la idea del taller como sujeto para el arte; y un recorrido por los diferentes tipos de espacios que puede englobar la palabra “estudio”. Incluso hay “rincones de estudio”, en los que se han reconstruido partes de estudios reales. Pase unos momentos con una ampliación fotográfica de Henry Moore, con algunas de sus obras detrás de él, por ejemplo, o en el escritorio de Dieter Roth, una experiencia mucho más ordenada y clínica. En resumen, esta exposición tiene que ver con la idea fluida y en constante cambio del estudio ahora y en el pasado reciente: muchos de los 80 artistas representados por más de 100 obras, que incluyen pintura, escultura, instalación. , y el cine, siguen vivos.

Louise Bourgeois, “Cell IX” (1999), acero, mármol, vidrio, espejos, 213,4 x 254 x 132,1 cm (cortesía de D.Daskalopoulos Collection, © The Easton Foundation/VAGA at ARS, NY y DACS, Londres 2021)

La idea central del argumento del programa es la siguiente: el estudio ya no es lo que solía ser. Es a la vez un espacio físico habitado por un artista (aunque no tiene por qué serlo) y también una construcción mental. Es un lugar de auto-reflejo, auto-obsesión, un espacio donde el artista representa la realidad cotidiana de la fantasía de ser un artista. Un sonido domina las galerías de la planta baja mientras camino, el del tap-tap-tap de los pies. Cuando llego a la película que la acompaña, veo a un joven Bruce Nauman bailando en los perímetros de un lienzo. Esta es la obra de arte, y esta es mi experiencia en el estudio de Bruce Nauman, el registro filmado del artista en acción.

Por supuesto, los estudios pueden ser limpios o sucios, desordenados o austeros. Algunos artistas, antiguos maestros de la reticencia, evitan deliberadamente convertir el estudio en un lugar extravagante de autoexhibición: Howard Hodgkin volteó todos sus lienzos hacia la pared cuando se preparaba para un visitante. ¿Por qué mostrar tu corazón a un extraño entrometido? El estudio era tan fríamente clínico como el quirófano de cualquier hospital. Otros artistas disfrutan positivamente —y se alimentan con avidez— del drama de la autoexposición que siempre implica la visión de un montón de imágenes en desorden, la necesidad de ver el material, que los aguijoneará hacia la coherencia final de lo hecho. Una buena cantidad de tiempo y espacio en una de las galerías de arriba (de siete galerías en total) se dedica al último estudio de Francis Bacon, que fue recreado después de su muerte en una galería de Dublín. ¡Qué sitio de bomba es! En una fotografía de 1984, Bruce Bernard lo muestra sentado en su estudio, el rey exhausto y sin corona de su propio caos obstinado.

Wolfgang Tillmans, “after party (c)” (2002), impresión de inyección de tinta, 138 x 208 cm (© Wolfgang Tillmans, cortesía de Maureen Paley, Londres)

Algunas de las obras más interesantes de la muestra reflexionan sobre la experiencia de hacer arte en un entorno que contiene el material que todo artista debe tener siempre a su disposición. De lo contrario, no habría nada que presumir ante el mundo que espera. Todo este material se ve arrastrado a la historia. Jasper Johns muestra una cerda de pinceles metidos en una lata de Savarin, en una litografía de finales de la década de 1970. Su jovialidad, su floritura, los hace parecer un arma triunfal, objetos bien castigados que le han permitido ganar contra probabilidades casi imposibles. Las barras de pintura negras de Phyllida Barlow (recreadas con reverencia en bronce) emiten un mensaje similar, pero con una diferencia significativa. Yacen planos y de costado, como agotados por todo el esfuerzo de tratar de seguir el ritmo de la locura sin límites del artista. Antony Gormley se dibuja a sí mismo, erguido y atormentado, si no atrapado, por su propia sombra en la pared. Una pintura reciente de Lisa Brice revela a una artista jugando al escondite detrás de su camilla cruciforme, como si estuviera a punto de asumir la carga de la crucifixión por y para su arte. Ver “Cell IX” (1999) de Louise Bourgeois —un bloque de mármol del que emergen brazos humanos, amenazados por múltiples espejos— en el contexto de esta exposición parece hablar de la amenaza potencial del espacio del estudio, de su celda- como, atrapar a la naturaleza. ¿Cómo arrancar arte significativo de todo este autoexamen obsesivo? ¿Cómo lidiar con los demonios del yo? Un estudio nunca es un espacio inerte o neutro. Da forma a todo lo que un artista es y hace. Puede ser en sí mismo una obra de arte, incluso un acto de autorretrato.

El tema principal del programa se subdivide en muchos, demasiados, subtemas: estudio como refugio, estudio como santuario, etc. El diseño del espectáculo tampoco ayuda: demasiados giros, vueltas y vueltas sobre uno mismo. Todo se vuelve un poco desconcertante, si no confuso, al final. ¿Por qué esto está aquí y no allá? Dicho esto, examina su tema más a fondo y de manera más agradable a la vista que cualquier otro programa sobre este tema que haya visto.

Vista de instalación de Un siglo de estudio del artista: 1920-2020 en Whitechapel Gallery, Londres. Izquierda: Mequitta Ahuja, “Notación” (2017), óleo sobre lienzo, 213,4 x 182,9 cm. Derecha: Kerry James Marshall, “Sin título (Pintor)” (2008), acrílico sobre panel de PVC enmarcado por el artista, 73 x 62,9 cm (cortesía de Whitechapel Gallery, Londres)
Nikhil Chopra, “La Perla Negra: Plaza de Armas” (2015), performance-instalación de 60 horas (12 Bienal de La Habana, Cuba), elementos: 6 lienzos, atrezo, telas, accesorios, jaula con techo (cortesía Kettle’s Yard, Universidad de Cambridge Fotografía por Stephen White & Co.)
Ramin Haerizadeh, Rokni Haerizadeh, Hesam Rahmanian, “From March to April… 2020” (2020), video en color de un solo canal con sonido, 7:46 min (cortesía de los artistas y Gallery Isabelle van den Eynde, Dubái)
Vista de instalación de Un siglo de estudio del artista: 1920-2020 en Whitechapel Gallery, Londres (cortesía de Whitechapel Gallery, Londres)

Un siglo de estudio del artista: 1920-2020 Continúa en Whitechapel Gallery (77-82 Whitechapel High Street, Londres, Inglaterra) hasta el 5 de junio. La exposición fue desarrollada por Iwona Blazwick OBE, directora de Whitechapel Gallery, con un comité curatorial compuesto por Dawn Ades, Inês Costa, Richard Dyer, Hamad Nasar y Candy Stobbs.

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